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obras de arte desaparecidas, destruidas o robadas

hace 2 meses| visto 7431 veces

El doctor Paul Gachet

El doctor Paul Gachet

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Portrait of Dr. Gachet.jpg
El doctor Paul Gachet (primera versión)
Vincent van Gogh, 1890
Óleo sobre lienzo • Postimpresionismo
68 cm × 57 cm
Colección privada, Tokio, Bandera de Japón Japón
El doctor Paul Gachet (segunda versión), , 1890, óleo sobre lienzo, 68 x 57 cm, Museo de Orsay, París.

El Retrato del doctor Gachet es un cuadro pintado al óleo sobre tela del pintor holandés Vincent van Gogh. Data del año 1890. Es una de las pinturas de Van Gogh más reverenciadas, desde que alcanzó un precio récord en 1990.

Hay dos versiones auténticas de este retrato, ambas ejecutadas en junio de 1890 durante los últimos meses de vida de Van Gogh. En ambas se muestra el doctor Gachet sentado ante una mesa y haciendo descansar su cabeza sobre su brazo derecho, pero pueden diferenciarse con facilidad.

Índice

Génesis

Paul Gachet era un médico parisino homeópata y psiquiatra, amante del arte: conoció a Vincent Van Gogh a través de su hermano, Theo e inmediatamente los dos se encontraron en sintonía por tener una visión del arte muy semejante. Era un pintor y grabador aficionado y, además, protegió a varios artistas como Pissarro y Cézanne. Fue uno de los primeros compradores de cuadros de Cézanne, formando una importante colección que en 1952 su hijo donaría al Estado francés.[1]

Después de que le dieran el alta a Van Gogh en el Hospital de Saint-Rémy, acudió a Auvers-sur-Oise, donde el doctor Gachet estaba dispuesto a atenderlo. El pintor acudía con frecuencia a casa del médico[1] y éste aceptó posar para Vincent, que desde hacía tiempo buscaba un modelo para retratar del natural.

Trabajando juntos durante la realización de la obra los dos obtuvieron un resultado extraordinario. El cuadro es extremadamente innovador: Van Gogh abandonó la pose estática y convencional de los cuadros precedentes. El triste rostro del doctor es «la expresión desencantada de nuestro tiempo» afirmación de Van Gogh en una carta dirigida a su colega y amigo Paul Gauguin (carta n.º 643 de junio de 1890).

El doctor aparece «pensativo, casi preocupado, con un leve escepticismo». Van Gogh se sentía muy próximo al doctor, de quien decía que era «al menos tan nervioso como yo»[1]

Van Gogh escribió a su hermano en 1890 sobre la pintura:

He hecho un retrato de M. Gachet con una expresión melancólica, que bien podría parecer una mueca a aquellos que lo vean... Triste pero amable, y aun así clara e inteligente, así es como muchos retratos deberían hacerse... Hay cabezas modernas que podrían mirarse durante mucho tiempo, y que se volverán a ver, quizás, con nostalgia, cien años despues.

En cuanto a la forma concreta en que lo representó, escribió a Theo: «la cabeza con una gorra blanca, muy rubia, muy clara; también las carnaciones de las manos son muy blancas, un traje azul y un fondo azul cobalto» (carta n.º 638, datada el 4 de junio de 1890).

En el retrato el artista propone un fuerte contraste cromático. en primer plano, sobre la mesa, junto al libro una planta de digital. El digital en la pintura es una planta de la que se extrae un medicamento para tratar de ciertas afecciones cardíacas; es por lo tanto un atributo de Gachet como médico.

La parte superior de la obra está separada por una línea ondulada.

La segunda versión del retrato fue ejecutada en el mismo año 1890, poco después del primero. En esta versión del cuadro, donada al Museo de Orsay de París por los hijos del doctor Gachet, Van Gogh ha eliminado (a diferencia del primer retrato) el vaso y el libro, haciendo resaltar la planta de digital sobre el fondo rojo, tratando de modo más sumario el fondo.

Melancolía

Delacroix, Tasso en el Hospital de Santa Ana, Ferrara.

Los pensamientos de Van Gogh regresaron varias veces a la pintura de Eugène Delacroix de Torquato Tasso en el manicomio. Después de visitar con Paul Gauguin Montpellier donde fueron a ver la colección de Alfred Bruyas en el Museo Fabre, Van Gogh escribió a su hermano Theo, preguntándole si podría encontrar una copia de una litografía del cuadro.[2] Tres meses y medio antes, había estado pensando sobre esta pintura como la clase de retratos que quería pintar:

«Pero estaría más en armonía con los que Eugène Delacroix intentó y logró en su Tasso en prisión, y muchos otros cuadros, representando a un hombre real. ¡Ah! Los retratos, los retratos con el pensamiento, el alma del modelo en ellos, eso es lo que creo que tiene que llegar.»[3]

Historia de la primera versión

Esta versión original del cuadro fue vendida por la cuñada de van Gogh por 300 francos en 1897. Posteriormente fue vendida, respectivamente, a Paul Cassirer (1904), Kessler (1904), y Druet (1910). En 1911 el cuadro fue adquirido por el Städel (Städtische Galerie) en Fráncfort del Meno, Alemania y allí colgó hasta 1933, cuando la pintura se guardó en un almacén. En 1937, fue confiscada por el Ministerio del Reich para la Ilustración Pública y Propaganda, un arma del gobierno nazi que buscaba destruir el llamado arte degenerado. Vino a poder de Hermann Göring, quien rápidamente lo vendió a un marchante de Ámsterdam. Este a su vez lo vendió al coleccionista Siegfried Kramarsky, quien se lo llevó consigo cuando huyó a Nueva York, donde la obra fue a menudo prestada al Museo Metropolitano de Arte. La familia de Kramarsky subastó el cuadro en 1990. El 15 de mayo de ese año la pintura se hizo célebre cuando el hombre de negocios japonés Ryoei Saito pagó 82,5 millones de dólares por ella en una subasta en Christie's de Nueva York, haciendo con ello que fuera la pintura más cara hasta entonces. Saito, presidente honorario de la Daishowa Paper Manufacturing Co. y por entonces de 75 años de edad, causó un escándalo cuando dijo que haría quemar el Van Gogh después de su muerte. Más tarde dijo: «Lo que yo realmente quería [expresar] era mi deseo de conservar la pintura para siempre.» Saito, usaba una figura retórica al hablar. Más tarde dijo que tomaría en consideración dar las pinturas a su gobierno o a un museo. Después de su muerte en 1996, la ubicación exacta y la propiedad del retrato ha quedado envuelto en misterio. A principios de 2007, sin embargo, apareció publicado que [1] el cuadro había sido vendido una década antes por Saito o sus agentes al administrador de fondos de inversión australiano Wolfgang Flöttl. Flöttl, a su vez, supuestamente habría sido obligado por reveses financieros, a vender la pintura a personas, hoy en día, desconocidas.

Curiosidad

  • La primera versión tiene un papel importante en la novela de misterio Lifeguard (2005) de James Patterson y Andrew Gross.

Notas

  1. a b c Christa von Lengerke, «Del Impresionismo al Art Nouveau» en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pág. 522, ISBN 3-8228-4744-5
  2. Carta 564
  3. Carta 531

Bibliografía

  • Armiraglio, F., Van Gogh, 2003, Skira, Milán.
  • Saltzman, Cynthia: Portrait of Dr. Gachet. The Story of a van Gogh Masterpiece: Money, Politics, Collectors, Greed, and Loss. ISBN 0-670-86223-1

Enlaces externos

El doctor Paul Gachet

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Portrait of Dr. Gachet.jpg
El doctor Paul Gachet (primera versión)
Vincent van Gogh, 1890
Óleo sobre lienzo • Postimpresionismo
68 cm × 57 cm
Colección privada, Tokio, Bandera de Japón Japón
El doctor Paul Gachet (segunda versión), , 1890, óleo sobre lienzo, 68 x 57 cm, Museo de Orsay, París.

El Retrato del doctor Gachet es un cuadro pintado al óleo sobre tela del pintor holandés Vincent van Gogh. Data del año 1890. Es una de las pinturas de Van Gogh más reverenciadas, desde que alcanzó un precio récord en 1990.

Hay dos versiones auténticas de este retrato, ambas ejecutadas en junio de 1890 durante los últimos meses de vida de Van Gogh. En ambas se muestra el doctor Gachet sentado ante una mesa y haciendo descansar su cabeza sobre su brazo derecho, pero pueden diferenciarse con facilidad.

Índice

Génesis

Paul Gachet era un médico parisino homeópata y psiquiatra, amante del arte: conoció a Vincent Van Gogh a través de su hermano, Theo e inmediatamente los dos se encontraron en sintonía por tener una visión del arte muy semejante. Era un pintor y grabador aficionado y, además, protegió a varios artistas como Pissarro y Cézanne. Fue uno de los primeros compradores de cuadros de Cézanne, formando una importante colección que en 1952 su hijo donaría al Estado francés.[1]

Después de que le dieran el alta a Van Gogh en el Hospital de Saint-Rémy, acudió a Auvers-sur-Oise, donde el doctor Gachet estaba dispuesto a atenderlo. El pintor acudía con frecuencia a casa del médico[1] y éste aceptó posar para Vincent, que desde hacía tiempo buscaba un modelo para retratar del natural.

Trabajando juntos durante la realización de la obra los dos obtuvieron un resultado extraordinario. El cuadro es extremadamente innovador: Van Gogh abandonó la pose estática y convencional de los cuadros precedentes. El triste rostro del doctor es «la expresión desencantada de nuestro tiempo» afirmación de Van Gogh en una carta dirigida a su colega y amigo Paul Gauguin (carta n.º 643 de junio de 1890).

El doctor aparece «pensativo, casi preocupado, con un leve escepticismo». Van Gogh se sentía muy próximo al doctor, de quien decía que era «al menos tan nervioso como yo»[1]

Van Gogh escribió a su hermano en 1890 sobre la pintura:

He hecho un retrato de M. Gachet con una expresión melancólica, que bien podría parecer una mueca a aquellos que lo vean... Triste pero amable, y aun así clara e inteligente, así es como muchos retratos deberían hacerse... Hay cabezas modernas que podrían mirarse durante mucho tiempo, y que se volverán a ver, quizás, con nostalgia, cien años despues.

En cuanto a la forma concreta en que lo representó, escribió a Theo: «la cabeza con una gorra blanca, muy rubia, muy clara; también las carnaciones de las manos son muy blancas, un traje azul y un fondo azul cobalto» (carta n.º 638, datada el 4 de junio de 1890).

En el retrato el artista propone un fuerte contraste cromático. en primer plano, sobre la mesa, junto al libro una planta de digital. El digital en la pintura es una planta de la que se extrae un medicamento para tratar de ciertas afecciones cardíacas; es por lo tanto un atributo de Gachet como médico.

La parte superior de la obra está separada por una línea ondulada.

La segunda versión del retrato fue ejecutada en el mismo año 1890, poco después del primero. En esta versión del cuadro, donada al Museo de Orsay de París por los hijos del doctor Gachet, Van Gogh ha eliminado (a diferencia del primer retrato) el vaso y el libro, haciendo resaltar la planta de digital sobre el fondo rojo, tratando de modo más sumario el fondo.

Melancolía

Delacroix, Tasso en el Hospital de Santa Ana, Ferrara.

Los pensamientos de Van Gogh regresaron varias veces a la pintura de Eugène Delacroix de Torquato Tasso en el manicomio. Después de visitar con Paul Gauguin Montpellier donde fueron a ver la colección de Alfred Bruyas en el Museo Fabre, Van Gogh escribió a su hermano Theo, preguntándole si podría encontrar una copia de una litografía del cuadro.[2] Tres meses y medio antes, había estado pensando sobre esta pintura como la clase de retratos que quería pintar:

«Pero estaría más en armonía con los que Eugène Delacroix intentó y logró en su Tasso en prisión, y muchos otros cuadros, representando a un hombre real. ¡Ah! Los retratos, los retratos con el pensamiento, el alma del modelo en ellos, eso es lo que creo que tiene que llegar.»[3]

Historia de la primera versión

Esta versión original del cuadro fue vendida por la cuñada de van Gogh por 300 francos en 1897. Posteriormente fue vendida, respectivamente, a Paul Cassirer (1904), Kessler (1904), y Druet (1910). En 1911 el cuadro fue adquirido por el Städel (Städtische Galerie) en Fráncfort del Meno, Alemania y allí colgó hasta 1933, cuando la pintura se guardó en un almacén. En 1937, fue confiscada por el Ministerio del Reich para la Ilustración Pública y Propaganda, un arma del gobierno nazi que buscaba destruir el llamado arte degenerado. Vino a poder de Hermann Göring, quien rápidamente lo vendió a un marchante de Ámsterdam. Este a su vez lo vendió al coleccionista Siegfried Kramarsky, quien se lo llevó consigo cuando huyó a Nueva York, donde la obra fue a menudo prestada al Museo Metropolitano de Arte. La familia de Kramarsky subastó el cuadro en 1990. El 15 de mayo de ese año la pintura se hizo célebre cuando el hombre de negocios japonés Ryoei Saito pagó 82,5 millones de dólares por ella en una subasta en Christie's de Nueva York, haciendo con ello que fuera la pintura más cara hasta entonces. Saito, presidente honorario de la Daishowa Paper Manufacturing Co. y por entonces de 75 años de edad, causó un escándalo cuando dijo que haría quemar el Van Gogh después de su muerte. Más tarde dijo: «Lo que yo realmente quería [expresar] era mi deseo de conservar la pintura para siempre.» Saito, usaba una figura retórica al hablar. Más tarde dijo que tomaría en consideración dar las pinturas a su gobierno o a un museo. Después de su muerte en 1996, la ubicación exacta y la propiedad del retrato ha quedado envuelto en misterio. A principios de 2007, sin embargo, apareció publicado que [1] el cuadro había sido vendido una década antes por Saito o sus agentes al administrador de fondos de inversión australiano Wolfgang Flöttl. Flöttl, a su vez, supuestamente habría sido obligado por reveses financieros, a vender la pintura a personas, hoy en día, desconocidas.

Curiosidad

  • La primera versión tiene un papel importante en la novela de misterio Lifeguard (2005) de James Patterson y Andrew Gross.

Notas

  1. a b c Christa von Lengerke, «Del Impresionismo al Art Nouveau» en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, pág. 522, ISBN 3-8228-4744-5
  2. Carta 564
  3. Carta 531

Bibliografía

  • Armiraglio, F., Van Gogh, 2003, Skira, Milán.
  • Saltzman, Cynthia: Portrait of Dr. Gachet. The Story of a van Gogh Masterpiece: Money, Politics, Collectors, Greed, and Loss. ISBN 0-670-86223-1

Enlaces externos

Leda y el cisne (Leonardo)

Leda y el cisne (Leonardo)

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Leda and the Swan 1510-1515.jpg
Leda y el cisne
(Leda col cigno)
Anónimo, h. 1515-1520
Temple graso sobre tabla • Renacimiento
112 cm × 86 cm
Galería Borghese, Roma, Flag of Italy.svg Italia

Leda y el cisne es el título de una obra perdida del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci realizada en el periodo 1510-1515. Actualmente sólo se conserva una copia en la Galería Borghese de Roma, que está pintada al temple sobre tabla y mide 112 cm de alto y 86 cm de ancho. El original, heredado en su día por Salai y el que se tasó más alto, desapareció. En 1625 está documentada la Leda de Leonardo en Fontainebleau, pero con una descripción ligeramente distinta, ya que menciona "dos huevos a los pies de la figura, de cuyas cáscaras se ve que han salido cuatro niños" (Cassiano del Pozzo).

Representa a Leda, reina de Esparta y a Zeus, metamorfoseado en cisne; a los pies de Leda se encuentran los cascarones que ella ha puesto y de los que salen Helena, Clitemnestra y los dioscuros gemelos Cástor y Pólux. El estilo de Leonardo está muy bien reflejado. Parece ser el único desnudo femenino de sus obras; muestra el interés de Leonardo por la antigüedad grecolatina, acentuado tras su estancia en Roma entre 1513 y 1516. Mas en su época, esta pintura fue tratada por sus contemporáneos como un tema muy erótico debido no solo a la desnudez y lozana gracilidad de la joven representada sino a su pose en sugerente contraposto (postura frontal sinuosa) constituido en el esquema (no visible) del esbozo a partir de una espiral que se eleva desde los pies contorneándole el cuerpo hasta la cima de la cabeza de delicados y dulces rasgos, reforzado queda el erotismo por la sonrisa entre candorosa e insinuante de Leda mientras sostiene al largo cuello del cisne (cuello que se puede interpretar como fálico por sus formas). Aquí se puede observar toda su técnica sobre la perspectiva aérea. En primer plano las líneas de los contornos son más vivos y a medida que la imagen se va alejando, pierde nitidez, debido a las imperceptibles partículas de la atmósfera.

La Leda de Leonardo fue tan famosa que se hicieron numerosas copias. De todas ellas la Leda con el cisne (Leda col cigno) es una de las que más tiempo se atribuyó directamente a la mano de Leonardo. Hoy se asume que es una copia y no precisamente del original, sino una recreación a partir del cartón realizada por un discípulo leonardesco, Cesare da Sesto. Esta copia está documentada en la Galería Borghese en Roma desde 1693.

Referencias

  • "Leonardo", Los grandes genios del arte, n.º 17, Eileen Romano (dir.), Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-89780-69-2

Enlaces externos

  • Sitio oficial de la Galleria Borghese; en italiano y en inglés.

Leda y el cisne (Leonardo)

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Leda and the Swan 1510-1515.jpg
Leda y el cisne
(Leda col cigno)
Anónimo, h. 1515-1520
Temple graso sobre tabla • Renacimiento
112 cm × 86 cm
Galería Borghese, Roma, Flag of Italy.svg Italia

Leda y el cisne es el título de una obra perdida del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci realizada en el periodo 1510-1515. Actualmente sólo se conserva una copia en la Galería Borghese de Roma, que está pintada al temple sobre tabla y mide 112 cm de alto y 86 cm de ancho. El original, heredado en su día por Salai y el que se tasó más alto, desapareció. En 1625 está documentada la Leda de Leonardo en Fontainebleau, pero con una descripción ligeramente distinta, ya que menciona "dos huevos a los pies de la figura, de cuyas cáscaras se ve que han salido cuatro niños" (Cassiano del Pozzo).

Representa a Leda, reina de Esparta y a Zeus, metamorfoseado en cisne; a los pies de Leda se encuentran los cascarones que ella ha puesto y de los que salen Helena, Clitemnestra y los dioscuros gemelos Cástor y Pólux. El estilo de Leonardo está muy bien reflejado. Parece ser el único desnudo femenino de sus obras; muestra el interés de Leonardo por la antigüedad grecolatina, acentuado tras su estancia en Roma entre 1513 y 1516. Mas en su época, esta pintura fue tratada por sus contemporáneos como un tema muy erótico debido no solo a la desnudez y lozana gracilidad de la joven representada sino a su pose en sugerente contraposto (postura frontal sinuosa) constituido en el esquema (no visible) del esbozo a partir de una espiral que se eleva desde los pies contorneándole el cuerpo hasta la cima de la cabeza de delicados y dulces rasgos, reforzado queda el erotismo por la sonrisa entre candorosa e insinuante de Leda mientras sostiene al largo cuello del cisne (cuello que se puede interpretar como fálico por sus formas). Aquí se puede observar toda su técnica sobre la perspectiva aérea. En primer plano las líneas de los contornos son más vivos y a medida que la imagen se va alejando, pierde nitidez, debido a las imperceptibles partículas de la atmósfera.

La Leda de Leonardo fue tan famosa que se hicieron numerosas copias. De todas ellas la Leda con el cisne (Leda col cigno) es una de las que más tiempo se atribuyó directamente a la mano de Leonardo. Hoy se asume que es una copia y no precisamente del original, sino una recreación a partir del cartón realizada por un discípulo leonardesco, Cesare da Sesto. Esta copia está documentada en la Galería Borghese en Roma desde 1693.

Referencias

  • "Leonardo", Los grandes genios del arte, n.º 17, Eileen Romano (dir.), Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-89780-69-2

Enlaces externos

  • Sitio oficial de la Galleria Borghese; en italiano y en inglés.

Tapiz de Miró que adornaba el World Trade Center no será reconstruido | Emol.com

TARRAGONA.- El enorme tapiz de lana, cáñamo y cuerda de 66 metros cuadrados que el pintor español Joan Miró diseñó para adornar el vestíbulo del World Trade Center de Nueva York no se reconstruirá, según uno de los artesanos que lo tejió en 1974.

El tapicero de Tarragona (noreste español) Josep Royo, que dedicó más de un año a tejer la obra, señaló a EFE que el "Gran Tapiz" de Miró, que se encuentra bajo los escombros de las Torres Gemelas, tiene un incalculable valor y se mostró "muy triste" y "afectado" por la pérdida de su primera gran obra al lado del "maestro Miró".

"No la vamos a reproducir, porque no sería como la primera vez", afirmó el maestro tapicero.

"Cuando alguien se enamora por primera vez todo es más bonito, se experimentan sensaciones nuevas y queda un dulce recuerdo. Eso es lo que me pasó a mí con el 'Gran Tapiz' y si lo hiciera de nuevo no sería lo mismo", admitió Royo.

La aventura del "Gran Tapiz", ahora perdido entre las ruinas de las Torres Gemelas, empezó en 1974 cuando el entonces propietario del Port Authority de Nueva York encargó a Miró un enorme mural para el vestíbulo del rascacielos más alto de la ciudad.

Miró diseñó un boceto de óleo sobre tela de 57,2 por 105,2 centímetros, actualmente guardado en el fondo de obras de la Fundación Miró de Barcelona, pero necesitaba la ayuda de un artesano profesional para construir una obra que finalmente alcanzó los 66 metros cuadrados (6 por 11 metros).

Josep Royo, el tapicero escogido por Miró, y cinco personas más dedicaron siete horas diarias durante un año a tejer el tapiz más grande jamás realizado por ambos artistas en el taller que Josep Royo tenía en Tarragona.

"Fue una gran aventura porque todo era nuevo, el estudio, el telar, los tejidos", rememoró Royo, quién también elaboró los otros cuatro ejemplares de arte trenzado que hizo Miró a lo largo de su vida.

El tapicero siguió las directrices del pintor español, pero recuerda que aportó muchas ideas, entre ellas, la decisión de dar relieve al tapiz con tejidos que pendían de él como si se tratase de una cabellera.

Tras permanecer dos meses expuesto en el Grand Palais de París, las cuatro toneladas de lana, cáñamo y cuerda del Gran Tapiz viajaron hasta las Torres Gemelas que tantas veces visitó Josep Royo: "Ver mi obra allí me hacía sentir como en casa", recuerda.

De los cuatro tapices que realizaron conjuntamente Miró y Royo uno está en el National Gallery of Art de Washington y los otros tres se encuentran en edificios de la región española de Cataluña.

El valor de todas estas obras de arte, en especial el del "Gran Tapiz", no se ha podido cuantificar, explicó Mercé Sabartés, responsable de la Fundación Miró, "porque nunca estuvieron en venta, siempre fueron encargos. Además su precio actual no tendría nada que ver con el que supuestamente costó en el momento de su realización", añadió.

Royo ya no podrá volver a ver ese "primer hijo" fruto de su relación profesional con Miró, todavía no entiende cómo, en un instante, unos "locos" han conseguido destruir algo que él creó con tanto entusiasmo y pasión.

Bajo las toneladas de escombros en que quedaron reducidas las Torres Gemelas el pasado día 11 tras los ataques terroristas que sufrieron se encuentran también obras de Alexander Calder o Roy Lochtenstein, entre otros artistas.

TARRAGONA.- El enorme tapiz de lana, cáñamo y cuerda de 66 metros cuadrados que el pintor español Joan Miró diseñó para adornar el vestíbulo del World Trade Center de Nueva York no se reconstruirá, según uno de los artesanos que lo tejió en 1974.

El tapicero de Tarragona (noreste español) Josep Royo, que dedicó más de un año a tejer la obra, señaló a EFE que el "Gran Tapiz" de Miró, que se encuentra bajo los escombros de las Torres Gemelas, tiene un incalculable valor y se mostró "muy triste" y "afectado" por la pérdida de su primera gran obra al lado del "maestro Miró".

"No la vamos a reproducir, porque no sería como la primera vez", afirmó el maestro tapicero.

"Cuando alguien se enamora por primera vez todo es más bonito, se experimentan sensaciones nuevas y queda un dulce recuerdo. Eso es lo que me pasó a mí con el 'Gran Tapiz' y si lo hiciera de nuevo no sería lo mismo", admitió Royo.

La aventura del "Gran Tapiz", ahora perdido entre las ruinas de las Torres Gemelas, empezó en 1974 cuando el entonces propietario del Port Authority de Nueva York encargó a Miró un enorme mural para el vestíbulo del rascacielos más alto de la ciudad.

Miró diseñó un boceto de óleo sobre tela de 57,2 por 105,2 centímetros, actualmente guardado en el fondo de obras de la Fundación Miró de Barcelona, pero necesitaba la ayuda de un artesano profesional para construir una obra que finalmente alcanzó los 66 metros cuadrados (6 por 11 metros).

Josep Royo, el tapicero escogido por Miró, y cinco personas más dedicaron siete horas diarias durante un año a tejer el tapiz más grande jamás realizado por ambos artistas en el taller que Josep Royo tenía en Tarragona.

"Fue una gran aventura porque todo era nuevo, el estudio, el telar, los tejidos", rememoró Royo, quién también elaboró los otros cuatro ejemplares de arte trenzado que hizo Miró a lo largo de su vida.

El tapicero siguió las directrices del pintor español, pero recuerda que aportó muchas ideas, entre ellas, la decisión de dar relieve al tapiz con tejidos que pendían de él como si se tratase de una cabellera.

Tras permanecer dos meses expuesto en el Grand Palais de París, las cuatro toneladas de lana, cáñamo y cuerda del Gran Tapiz viajaron hasta las Torres Gemelas que tantas veces visitó Josep Royo: "Ver mi obra allí me hacía sentir como en casa", recuerda.

De los cuatro tapices que realizaron conjuntamente Miró y Royo uno está en el National Gallery of Art de Washington y los otros tres se encuentran en edificios de la región española de Cataluña.

El valor de todas estas obras de arte, en especial el del "Gran Tapiz", no se ha podido cuantificar, explicó Mercé Sabartés, responsable de la Fundación Miró, "porque nunca estuvieron en venta, siempre fueron encargos. Además su precio actual no tendría nada que ver con el que supuestamente costó en el momento de su realización", añadió.

Royo ya no podrá volver a ver ese "primer hijo" fruto de su relación profesional con Miró, todavía no entiende cómo, en un instante, unos "locos" han conseguido destruir algo que él creó con tanto entusiasmo y pasión.

Bajo las toneladas de escombros en que quedaron reducidas las Torres Gemelas el pasado día 11 tras los ataques terroristas que sufrieron se encuentran también obras de Alexander Calder o Roy Lochtenstein, entre otros artistas.

Reaviewmirror: "El hombre en el Cruce de Caminos" de Diego Rivera


El Hombre en el Cruce de Caminos, también llamado de El Hombre Controlador del Universo, es un mural de la autoría de Diego Rivera pintado en 1939. Inicialmente expuesta en Rockefeller Center (Nueva York), tras su destrucción debido a la representación de la figura de Lenin esta obra es de nuevo reproducida en el Palacio de Bellas Artes, en México.

A partir del análisis del mural es posible concluir que éste evidencia dos universos políticos y sociales antagónicos que dividían a la humanidad en esta época: el capitalismo y el comunismo. Estos dos mundos se diferencian en los acontecimientos históricos, problemas sociales, comportamientos, avanzo tecnológico e incluso en la naturaleza de sus culturas agrícolas.


En la parte izquierda podemos observar algunos pasajes de la historia de los Estados Unidos. En el rincón superior están representados algunos soldados que envergan unas máscaras antigás esto porque en 1917, tras el ataque a algunos navíos estadounidenses por parte de Alemania, el país forma parte de la Tríplice Entente en la Guerra de Guerras. El final del conflicto inició un periodo de gran prosperidad y, en el cual, las poblaciones buscaban “vivir cada día intensamente, olvidando el pasado y no pensando en el futuro”. Los llamados Anos 20 fueran una época de grandes transformaciones a nivel de mentalidades con la emancipación de la mujer y su consecuente adopción de costumbres hasta ahí exclusivamente masculinos, como fumar o beber en público, el aparecimiento de nuevos divertimientos, son ejemplo los cabarets y el cine, y todavía el consumismo desmesurado, sobre todo en lo respecta a los bienes superfluos. La nueva concepción capitalista junto con la especulación bolsista, ahora vista como un modo de ganarse la vida, fueran las causas de la Crisis de 1929. Este acontecimiento dejó a millones en el paro, bajo condiciones de vida miserables y fue responsable por cientos de motines contra al gobierno del presidente Hoover. Sin embargo, podemos observar enseguida que los EE UU sumergen en un período de tranquilidad, donde se reúnen las condiciones necesarias al progreso tecnológico, patente en elementos como el microscopio y la máquina de rayos X. Todavía en esta parte del mural, está representada una estatua imponente, que dedujo que personifique Dios. Esta figura se presenta sin manos simbolizando las grandes crisis de paro típicas de los países de extrema derecha, la concentración de capital en las clases más privilegiadas, dejando a lo pueblo de manos vacías, o aún la ociosidad de los grandes empresarios capitalistas que delegan el trabajo duro a sus empleados.




El Hombre en el Cruce de Caminos, también llamado de El Hombre Controlador del Universo, es un mural de la autoría de Diego Rivera pintado en 1939. Inicialmente expuesta en Rockefeller Center (Nueva York), tras su destrucción debido a la representación de la figura de Lenin esta obra es de nuevo reproducida en el Palacio de Bellas Artes, en México.

A partir del análisis del mural es posible concluir que éste evidencia dos universos políticos y sociales antagónicos que dividían a la humanidad en esta época: el capitalismo y el comunismo. Estos dos mundos se diferencian en los acontecimientos históricos, problemas sociales, comportamientos, avanzo tecnológico e incluso en la naturaleza de sus culturas agrícolas.


En la parte izquierda podemos observar algunos pasajes de la historia de los Estados Unidos. En el rincón superior están representados algunos soldados que envergan unas máscaras antigás esto porque en 1917, tras el ataque a algunos navíos estadounidenses por parte de Alemania, el país forma parte de la Tríplice Entente en la Guerra de Guerras. El final del conflicto inició un periodo de gran prosperidad y, en el cual, las poblaciones buscaban “vivir cada día intensamente, olvidando el pasado y no pensando en el futuro”. Los llamados Anos 20 fueran una época de grandes transformaciones a nivel de mentalidades con la emancipación de la mujer y su consecuente adopción de costumbres hasta ahí exclusivamente masculinos, como fumar o beber en público, el aparecimiento de nuevos divertimientos, son ejemplo los cabarets y el cine, y todavía el consumismo desmesurado, sobre todo en lo respecta a los bienes superfluos. La nueva concepción capitalista junto con la especulación bolsista, ahora vista como un modo de ganarse la vida, fueran las causas de la Crisis de 1929. Este acontecimiento dejó a millones en el paro, bajo condiciones de vida miserables y fue responsable por cientos de motines contra al gobierno del presidente Hoover. Sin embargo, podemos observar enseguida que los EE UU sumergen en un período de tranquilidad, donde se reúnen las condiciones necesarias al progreso tecnológico, patente en elementos como el microscopio y la máquina de rayos X. Todavía en esta parte del mural, está representada una estatua imponente, que dedujo que personifique Dios. Esta figura se presenta sin manos simbolizando las grandes crisis de paro típicas de los países de extrema derecha, la concentración de capital en las clases más privilegiadas, dejando a lo pueblo de manos vacías, o aún la ociosidad de los grandes empresarios capitalistas que delegan el trabajo duro a sus empleados.



Las amapolas de Vincent Van Gogh | Blog comprar flores en Madrid - quedeflores.com

admin On mayo - 25 - 2011

Hace un par de meses en Quedeflores.com comenzamos esta sección “De cuadros y Flores” con una obra de este famoso pintor holandés, Los Girasoles y hoy volvemos a hablar de él para comentar otro de sus valorados cuadros: Las amapolas.

Un cuadro que fue pintado en 1886. Tras su llegada a París en marzo de este mismo año Van Gogh se puso en contacto con los impresionistas justo cuando comenzaba a surgir otro fuerte movimiento en la ciudad francesa, el post-impresionismo. Vincent comienza entonces a observar todo lo que ocurre a su alrededor y deja de pintar a los campesinos de Nuenen para empezar a pintar los paisajes que rodean su casa y motivos florales como este precioso jarrón de amapolas.

Un cuadro en el que podemos ver una clara similitud con la pintura de Cèzanne y en la que vemos un cambio radical con las pinturas frías de la anterior etapa del artista.

En estas amapolas Van Gogh nos ofrece una visión más colorista de su mundo, podemos apreciar la alegría del pintor en las tonalidades empleadas: rojos, azules y verdes que son aplicadas con pinceladas rápidas y vibrantes que inundando la composición.

Una composición que muestra claramente el carácter del artista, es potente, variada, silvestre y explosiva…algo que vemos en el rojo vivo de las amapolas potenciado además por el azul del fondo del cuadro.

Este cuadro está valorado en 40 millones de euros y fue robado el pasado agosto en el museo de El Cairo, no es la primera vez que esto ocurre, el lienzo ya fue sustraído en 1978 pero consiguieron recuperarlo años después.

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admin On mayo - 25 - 2011

Hace un par de meses en Quedeflores.com comenzamos esta sección “De cuadros y Flores” con una obra de este famoso pintor holandés, Los Girasoles y hoy volvemos a hablar de él para comentar otro de sus valorados cuadros: Las amapolas.

Un cuadro que fue pintado en 1886. Tras su llegada a París en marzo de este mismo año Van Gogh se puso en contacto con los impresionistas justo cuando comenzaba a surgir otro fuerte movimiento en la ciudad francesa, el post-impresionismo. Vincent comienza entonces a observar todo lo que ocurre a su alrededor y deja de pintar a los campesinos de Nuenen para empezar a pintar los paisajes que rodean su casa y motivos florales como este precioso jarrón de amapolas.

Un cuadro en el que podemos ver una clara similitud con la pintura de Cèzanne y en la que vemos un cambio radical con las pinturas frías de la anterior etapa del artista.

En estas amapolas Van Gogh nos ofrece una visión más colorista de su mundo, podemos apreciar la alegría del pintor en las tonalidades empleadas: rojos, azules y verdes que son aplicadas con pinceladas rápidas y vibrantes que inundando la composición.

Una composición que muestra claramente el carácter del artista, es potente, variada, silvestre y explosiva…algo que vemos en el rojo vivo de las amapolas potenciado además por el azul del fondo del cuadro.

Este cuadro está valorado en 40 millones de euros y fue robado el pasado agosto en el museo de El Cairo, no es la primera vez que esto ocurre, el lienzo ya fue sustraído en 1978 pero consiguieron recuperarlo años después.

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De todo un poco: El mayor robo de obras de arte de la historia moderna

A la 1:24 de la mañana del 18 de Marzo de 1990, pocas horas después de que finalizaran los festejos del día de San Patricio, dos supuestos policías llamaban a una puerta lateral del Museo Gardner de Boston MA. Los dos guardias que custodiaban el edificio al ver los uniformes les flanquearon la entrada y sin apenas poder reaccionar fueron reducidos y las escasas medidas de seguridad existentes desactivadas. De esta manera comenzaba el robo de obras de arte más importante de la historia moderna.

El Museo Gardner había nacido debido a la afición al coleccionismo de una de las damas más acaudaladas de la sociedad bostoniana de la época, Isabella Stewart Gardner, que fascinada por Venecia y el arte renacentista trabó relaciones comerciales con el historiador Bernard Berenson quien, asistiendo a subastas de arte por media Europa y a veces de formas poco éticas, ejerció como su marchante.

La galería abrió sus puertas en 1903 y su no muy extensa pero valiosa colección, unida a la peculiar arquitectura del edificio ofrecía y ofrece al visitante una forma más cálida y cercana de admirar el arte que las habituales.


Aquella madrugada, y durante los siguientes 81 minutos, los ladrones se hicieron con tres obras de Rembrandt, cinco de Degas, una de Govaert Flinck, una de Manet, un jarrón chino de la dinastía Shang y con una de las joyas más preciadas del museo, el óleo de 72,5 x 64,7cm., El Concierto, de Johannes Vermeer. Todas ellas valoradas en más de 190 millones de euros. Desde entonces todas estas obras de arte permanecen en paradero desconocido.

La autoría del robo nunca ha sido totalmente esclarecida. La versión probablemente más verosímil es que fuera un trabajo de la poderosa mafia irlandesa de Boston aunque también se ha barajado la opción de la mafia italiana que mediante un intermediario llegó a vender los cuadros a la familia Genovese.

En 2001, David Turner, uno de los supuestos ladrones, fue condenado a 36 años de prisión y otro, Carmello Merlino, a 47, pero aun hoy en día existen numerosas dudas de si ellos fueron, o no, los autores del latrocinio.


Todavía sigue vigente una recompensa de más de 3 millones de euros para quien facilite la recuperación de las piezas sustraídas.

Documentación:
FBI [enlaces a todas las piezas robadas]
Wikipedia

A la 1:24 de la mañana del 18 de Marzo de 1990, pocas horas después de que finalizaran los festejos del día de San Patricio, dos supuestos policías llamaban a una puerta lateral del Museo Gardner de Boston MA. Los dos guardias que custodiaban el edificio al ver los uniformes les flanquearon la entrada y sin apenas poder reaccionar fueron reducidos y las escasas medidas de seguridad existentes desactivadas. De esta manera comenzaba el robo de obras de arte más importante de la historia moderna.

El Museo Gardner había nacido debido a la afición al coleccionismo de una de las damas más acaudaladas de la sociedad bostoniana de la época, Isabella Stewart Gardner, que fascinada por Venecia y el arte renacentista trabó relaciones comerciales con el historiador Bernard Berenson quien, asistiendo a subastas de arte por media Europa y a veces de formas poco éticas, ejerció como su marchante.

La galería abrió sus puertas en 1903 y su no muy extensa pero valiosa colección, unida a la peculiar arquitectura del edificio ofrecía y ofrece al visitante una forma más cálida y cercana de admirar el arte que las habituales.


Aquella madrugada, y durante los siguientes 81 minutos, los ladrones se hicieron con tres obras de Rembrandt, cinco de Degas, una de Govaert Flinck, una de Manet, un jarrón chino de la dinastía Shang y con una de las joyas más preciadas del museo, el óleo de 72,5 x 64,7cm., El Concierto, de Johannes Vermeer. Todas ellas valoradas en más de 190 millones de euros. Desde entonces todas estas obras de arte permanecen en paradero desconocido.

La autoría del robo nunca ha sido totalmente esclarecida. La versión probablemente más verosímil es que fuera un trabajo de la poderosa mafia irlandesa de Boston aunque también se ha barajado la opción de la mafia italiana que mediante un intermediario llegó a vender los cuadros a la familia Genovese.

En 2001, David Turner, uno de los supuestos ladrones, fue condenado a 36 años de prisión y otro, Carmello Merlino, a 47, pero aun hoy en día existen numerosas dudas de si ellos fueron, o no, los autores del latrocinio.


Todavía sigue vigente una recompensa de más de 3 millones de euros para quien facilite la recuperación de las piezas sustraídas.

Documentación:
FBI [enlaces a todas las piezas robadas]
Wikipedia

Gustav Klimt | La Filosofía

1899-1907
Óleo sobre lienzo, 430 x 300 cm.
Destruido en 1945 en el incendio del castillo de Immendorf
El éxito de la obra para el Kunsthistorisches Museum les valió a Klimt y a su socio Franz Matsch un nuevo e importante encargo, una serie de alegorías para el techo del Aula Magna de la Universidad, edificada en formas neobarrocas en la Ringstrasse. A Klimt se le encomendaron tres facultades: Filosofía, Medicina y Jurisprudencia. Aunque el encargo del ministerio de Cultura es de 1893, el pintor no presentó su primer lienzo hasta 1900, en la VII muestra de la Secesión. En pocos años su estilo había sufrido una profunda transformación y sus comitentes, que esperaban una celebración de carácter historicista, con un desfile de los pensadores más célebres del pasado, se quedaron atónitos al ver el resultado. Klimt realizó una composición grandiosa y metafísica, por desgracia perdida en el incendio de 1945. La mitad izquierda está ocupada por un columna de cuerpos humanos flotantes, de las edades y en las actitudes más diversas, desde el amor hasta la desesperación. Al lado, ante un fondo tachonado de estrellas, se cierne un rostro impenetrable -el enigma del mundo- mientras que en el margen inferior, envuelto en una espiral de cabellos negros, brilla un rostro femenino de ojos iluminados, la Filosofía. Hevesi escribió un artículo entusiasta en el que admiraba la "mística oscuridad" de la obra y las "fuerzas elementales" puestas de manifiesto por el artista, y concluía diciendo que "todo este caos es una sinfonía". Muy otra fue la interpretación de la opinión pública, que juzgó incomprensible el cuadro. Mientras que la Secesión, en un largo artículo en Ver Sacrum, afirmaba la absoluta necesidad de libertad creativa para los artistas, 87 profesores universitarios llegaron a dirigir al ministro una protesta formal, acusando al pintor de ignorancia y lobreguez. En realidad, lo que más desconcertó en la Filosofía klimtiana fue el modo en que el destino de la humanidad aparecía dominado por fuerzas misteriosas e insondables que nada tenían en común con la racionalidad de Atenea.

La Filosofía  

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1899-1907
Óleo sobre lienzo, 430 x 300 cm.
Destruido en 1945 en el incendio del castillo de Immendorf
El éxito de la obra para el Kunsthistorisches Museum les valió a Klimt y a su socio Franz Matsch un nuevo e importante encargo, una serie de alegorías para el techo del Aula Magna de la Universidad, edificada en formas neobarrocas en la Ringstrasse. A Klimt se le encomendaron tres facultades: Filosofía, Medicina y Jurisprudencia. Aunque el encargo del ministerio de Cultura es de 1893, el pintor no presentó su primer lienzo hasta 1900, en la VII muestra de la Secesión. En pocos años su estilo había sufrido una profunda transformación y sus comitentes, que esperaban una celebración de carácter historicista, con un desfile de los pensadores más célebres del pasado, se quedaron atónitos al ver el resultado. Klimt realizó una composición grandiosa y metafísica, por desgracia perdida en el incendio de 1945. La mitad izquierda está ocupada por un columna de cuerpos humanos flotantes, de las edades y en las actitudes más diversas, desde el amor hasta la desesperación. Al lado, ante un fondo tachonado de estrellas, se cierne un rostro impenetrable -el enigma del mundo- mientras que en el margen inferior, envuelto en una espiral de cabellos negros, brilla un rostro femenino de ojos iluminados, la Filosofía. Hevesi escribió un artículo entusiasta en el que admiraba la "mística oscuridad" de la obra y las "fuerzas elementales" puestas de manifiesto por el artista, y concluía diciendo que "todo este caos es una sinfonía". Muy otra fue la interpretación de la opinión pública, que juzgó incomprensible el cuadro. Mientras que la Secesión, en un largo artículo en Ver Sacrum, afirmaba la absoluta necesidad de libertad creativa para los artistas, 87 profesores universitarios llegaron a dirigir al ministro una protesta formal, acusando al pintor de ignorancia y lobreguez. En realidad, lo que más desconcertó en la Filosofía klimtiana fue el modo en que el destino de la humanidad aparecía dominado por fuerzas misteriosas e insondables que nada tenían en común con la racionalidad de Atenea.

La Filosofía  

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Niklaus Manuel

Niklaus Manuel

De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a: navegación, búsqueda
Niklaus Manuel el Joven, hijo de Niklaus Manuel, con traje de soldado suizo, pintura de su hermano Hans Rudolf Manuel, 1553.

Niklaus Manuel, apodado Deutsch, esto es, alemán (nacido probablemente en 1484 en Berna - 28 de abril de 1530 en Berna), fue un dramaturgo, pintor, artista gráfico, un reformador y un político suizo.

Biografía

Sólo se tienen datos seguros sobre Niklaus Manuel posteriores al año 1509. Se deduce el año de nacimiento a partir de documentos posteriores, que son bastante convincentes. Se cree que es hijo del farmacéutico de Berna Emanuel de Alemanis (o Allemanis) y de Margaretha Fricker (o Frickar), hija no matrimonial de Thüring Fricker, un político de Suiza.

Nada se sabe a ciencia cierta de su juventud y formación. Se cree que se formó como pintor de vidrieras. En 1509 se casó con Katharina Frisching, la hija de Hans Frisching, miembro del consejo de Berna. Con ocasión de la boda, abandonó su apellido, Alemán (o Alleman), que había llevado hasta entonces, y se llamó a sí mismo sólo Niklaus Manuel. Su firma y su sello llevan las iniciales «N. M. D» en esta época. Tuvo seis hijos de este matrimonio con Katharina:

Desde 1510 Niklaus Manuel fue miembro del gran consejo en Berna. En 1516 participó como un secretario de Albrecht von Stein, el líder de las tropas mercenarias al servicio de Francia en las guerras de Lombardía. Entre 1516/17 comenzó a pintar su famosa Danza de la muerte en el monasterio dominico de Berna, al que siguieron más obras. A partir de 1518 desarrolló misiones políticas, siendo posteriormente uno de los más destacados reformadores de Suiza.

Cultivó la pintura, el dibujo y la xilografía. La pintura es en estilo gótico tardío suizo. Posteriormente sigue a la Escuela del Danubio.

Bibliografía

  • (en alemán) Cäsar Menz, Hugo Wagner (red.): Niklaus Manuel Deutsch. Maler, Dichter, Staatsmann. Kunstmusevers Berna 1979.
  • Biografía en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, ISBN 3-8228-4744-5

Enlaces externos

Niklaus Manuel

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Niklaus Manuel el Joven, hijo de Niklaus Manuel, con traje de soldado suizo, pintura de su hermano Hans Rudolf Manuel, 1553.

Niklaus Manuel, apodado Deutsch, esto es, alemán (nacido probablemente en 1484 en Berna - 28 de abril de 1530 en Berna), fue un dramaturgo, pintor, artista gráfico, un reformador y un político suizo.

Biografía

Sólo se tienen datos seguros sobre Niklaus Manuel posteriores al año 1509. Se deduce el año de nacimiento a partir de documentos posteriores, que son bastante convincentes. Se cree que es hijo del farmacéutico de Berna Emanuel de Alemanis (o Allemanis) y de Margaretha Fricker (o Frickar), hija no matrimonial de Thüring Fricker, un político de Suiza.

Nada se sabe a ciencia cierta de su juventud y formación. Se cree que se formó como pintor de vidrieras. En 1509 se casó con Katharina Frisching, la hija de Hans Frisching, miembro del consejo de Berna. Con ocasión de la boda, abandonó su apellido, Alemán (o Alleman), que había llevado hasta entonces, y se llamó a sí mismo sólo Niklaus Manuel. Su firma y su sello llevan las iniciales «N. M. D» en esta época. Tuvo seis hijos de este matrimonio con Katharina:

Desde 1510 Niklaus Manuel fue miembro del gran consejo en Berna. En 1516 participó como un secretario de Albrecht von Stein, el líder de las tropas mercenarias al servicio de Francia en las guerras de Lombardía. Entre 1516/17 comenzó a pintar su famosa Danza de la muerte en el monasterio dominico de Berna, al que siguieron más obras. A partir de 1518 desarrolló misiones políticas, siendo posteriormente uno de los más destacados reformadores de Suiza.

Cultivó la pintura, el dibujo y la xilografía. La pintura es en estilo gótico tardío suizo. Posteriormente sigue a la Escuela del Danubio.

Bibliografía

  • (en alemán) Cäsar Menz, Hugo Wagner (red.): Niklaus Manuel Deutsch. Maler, Dichter, Staatsmann. Kunstmusevers Berna 1979.
  • Biografía en Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005, ISBN 3-8228-4744-5

Enlaces externos

Agregan pintura de Renoir a lista de obras de arte robadas más buscadas | Emol.com

Agregan pintura de Renoir a lista de obras de arte robadas más buscadas
WASHINGTON.- La Oficina Federal de Investigación de Estados Unidos, el FBI, anunció este hoy que había añadido una pintura de Pierre-Auguste Renoir robada el año pasado de una casa particular de Texas (sur de Estados Unidos) a su lista de obras de arte más buscadas.

La obra "Madeleine Leaning on Her Elbow with Flowers in Her Hair", un óleo valorado en un millón de dólares, fue robada por un ladrón solitario armado que portaba un pasamontañas en Houston, el 8 de septiembre de 2011.

El FBI añadió a su lista de obras más buscadas y ofreció una recompensa de 50.000 dólares, con la esperanza de aumentar sus oportunidades de encontrarla.

"Nuestro objetivo es el de proporcionar información sobre este robo al máximo número de personas" posibles, declaró Bonnie Magness-Gardiner, que dirige los programas relacionados con las obras robadas en el FBI.

El pintor impresionista francés pintó este cuadro en 1918, un año antes de su muerte a los 78 años, y lo firmó en la parte inferior derecha.

El FBI creó esta lista de obras más buscadas en 2005 y desde entonces ha recuperado seis pinturas (entre ellas un Renoir) y una escultura.

La lista actual está formada por tres Rembrandt del museo Isabella Stewart Gardner de Boston, dos pinturas del museo Vincent Van Gogh de Amsterdam y antigüedades robadas en Irak en 2003 durante el saqueo del museo nacional.

Agregan pintura de Renoir a lista de obras de arte robadas más buscadas
WASHINGTON.- La Oficina Federal de Investigación de Estados Unidos, el FBI, anunció este hoy que había añadido una pintura de Pierre-Auguste Renoir robada el año pasado de una casa particular de Texas (sur de Estados Unidos) a su lista de obras de arte más buscadas.

La obra "Madeleine Leaning on Her Elbow with Flowers in Her Hair", un óleo valorado en un millón de dólares, fue robada por un ladrón solitario armado que portaba un pasamontañas en Houston, el 8 de septiembre de 2011.

El FBI añadió a su lista de obras más buscadas y ofreció una recompensa de 50.000 dólares, con la esperanza de aumentar sus oportunidades de encontrarla.

"Nuestro objetivo es el de proporcionar información sobre este robo al máximo número de personas" posibles, declaró Bonnie Magness-Gardiner, que dirige los programas relacionados con las obras robadas en el FBI.

El pintor impresionista francés pintó este cuadro en 1918, un año antes de su muerte a los 78 años, y lo firmó en la parte inferior derecha.

El FBI creó esta lista de obras más buscadas en 2005 y desde entonces ha recuperado seis pinturas (entre ellas un Renoir) y una escultura.

La lista actual está formada por tres Rembrandt del museo Isabella Stewart Gardner de Boston, dos pinturas del museo Vincent Van Gogh de Amsterdam y antigüedades robadas en Irak en 2003 durante el saqueo del museo nacional.

Los talibanes destruyeron al mayor Buda del mundo

Clarín.com es la versión digital del principal diario argentino y el de mayor circulación en el mundo de habla hispana. Noticias actualizadas las 24 horas.
La milicia ultraortodoxa islámica de los talibanes, que gobierna Afganistán, finalmente cumplió su amenaza y dinamitó ayer la cabeza de la mayor estatua de Buda del mundo, tallada en la roca de una montaña hace 1.500 años en la provincia de Bamiyán (centro del país), informó Afghan Islamic Press (AIP), una agencia privada cercana a los talibanes.

Para destruir la cabeza de la estatua, de 55 metros de altura, los talibanes utilizaron misiles antiaéreos, tanques y dinamita, agregó la agencia.

Fuentes de la oposición afgana indicaron que fue destruido también el pie del coloso, esculpido en una gigantesca pared de roca en el siglo V, cuando Afganistán era uno de los centros de la civilización budista, antes de que los ejércitos árabes introdujeran el islam en la región, en el siglo VII, y agregaron que además fue bombardeada una segunda figura de Buda, de 36 metros, del siglo III, pero esta versión no fue confirmada oficialmente. Ambas estatuas son consideradas las más antiguas y preciosas de Afganistán.

Los talibanes —que controlan el 95 por ciento de Afganistán— reanudaron de esta manera la destrucción de las estatuas preislámicas que se encuentran en el país, que había sido suspendida temporalmente por las celebraciones de Eid al-Adhat, fiesta musulmana del sacrificio.

Ahmed Bahram, un portavoz de la oposición antitalibana establecida a unos 40 kilómetros de Bamiyán, afirmó ayer que la milicia talibana utilizó tanques, artillería y explosivos para destruir los dos budas gigantes. El vocero del Hezb-i-Wahdat, un movimiento de la oposición hazara —etnia mayoritaria en el centro del país— afirmó que "las estatuas quedaron completamente destruidas", aunque no hubo una confirmación de parte de los talibanes.

Por su parte, el ministro de Exteriores talibán, mullah Wakil Ahmed Muttawakil, dijo que la demolición "no está dirigida contra ninguna religión, nación o cultura", pero remarcó que "viola el islam" poseer estatuas de ídolos. De acuerdo con su propia versión del islam —elaborada en las escuelas coránicas de Kandahar, sur del país—, los talibanes creen que la conservación de estatuas es comparable a la adoración de ídolos, prohibida en la fe islámica.

Por ello la semana pasada el líder supremo de los talibanes, el "mulá" Mohamed Omar, decretó una "guerra" contra los monumentos preislámicos de Afganistán.

En varias ocasiones durante los últimos días, la milicia islámica afirmó que la destrucción de las estatuas iría hasta el final, en nombre del islam, y a pesar de las severas protestas y de la condena generalizada de la comunidad internacional.

Varios países, incluidos algunos musulmanes, condenaron la acción de los talibanes. Entre ellos se encuentra Pakistán, considerado el mayor aliado del régimen de Kabul, que únicamente es reconocido por este país, los Emiratos Arabes Unidos y Arabia Saudita.

Varios países y museos del mundo expresaron su interés en comprar las estatuas para salvarlas de la demolición, y la UNESCO envió la semana pasada a un emisario que intentó infructuosamente persuadir a los talibanes de que pusieran fin a la destrucción del bagaje cultural preislámico del país. El enviado de ese organismo, Pierre Lafrance, regresará en los próximos días a Kabul para continuar dialogando con los talibanes.

Por otra parte, hoy se reunirían en Pakistán el secretario general de la ONU, Kofi Annan, y el representante de los talibanes, Abdul Salam Zaeef, en un nuevo y desesperado intento de salvar el patrimonio histórico de Afganistán.

Además, ayer llegó a Islamabad una delegación de parlamentarios japoneses para pedir a los talibanes que renuncien a la destrucción del patrimonio afgano. Japón es el principal donante de ayuda humanitaria a Afganistán, una nación aquejada por graves problemas económicos.

Pese al interés de la comunidad internacional, el ministro Muttawakil dijo ayer que "no hay ninguna posibilidad" de que la orden de Omar sea anulada.

Entretanto, desde Moscú, la oposición afgana advirtió ayer que, tras la destrucción de los monumentos budistas y de arte preislámico, el régimen talibán llevará a cabo una "limpieza étnica" en Afganistán. Gulam Saji Hairat, primer secretario de la representación en la capital rusa de la opositora Alianza del Norte, explicó que la destrucción de las estatuas de Buda es una estrategia calculada.

Según Hairat, se trata de una oportunidad para que los talibanes "amplíen su expansión a los países vecinos, es decir, los centroasiáticos". "Tras la destrucción de los monumentos, tendrán lugar hechos más espantosos en Afganistán: la segregación y la limpieza étnica", subrayó.

Clarín.com es la versión digital del principal diario argentino y el de mayor circulación en el mundo de habla hispana. Noticias actualizadas las 24 horas.
La milicia ultraortodoxa islámica de los talibanes, que gobierna Afganistán, finalmente cumplió su amenaza y dinamitó ayer la cabeza de la mayor estatua de Buda del mundo, tallada en la roca de una montaña hace 1.500 años en la provincia de Bamiyán (centro del país), informó Afghan Islamic Press (AIP), una agencia privada cercana a los talibanes.

Para destruir la cabeza de la estatua, de 55 metros de altura, los talibanes utilizaron misiles antiaéreos, tanques y dinamita, agregó la agencia.

Fuentes de la oposición afgana indicaron que fue destruido también el pie del coloso, esculpido en una gigantesca pared de roca en el siglo V, cuando Afganistán era uno de los centros de la civilización budista, antes de que los ejércitos árabes introdujeran el islam en la región, en el siglo VII, y agregaron que además fue bombardeada una segunda figura de Buda, de 36 metros, del siglo III, pero esta versión no fue confirmada oficialmente. Ambas estatuas son consideradas las más antiguas y preciosas de Afganistán.

Los talibanes —que controlan el 95 por ciento de Afganistán— reanudaron de esta manera la destrucción de las estatuas preislámicas que se encuentran en el país, que había sido suspendida temporalmente por las celebraciones de Eid al-Adhat, fiesta musulmana del sacrificio.

Ahmed Bahram, un portavoz de la oposición antitalibana establecida a unos 40 kilómetros de Bamiyán, afirmó ayer que la milicia talibana utilizó tanques, artillería y explosivos para destruir los dos budas gigantes. El vocero del Hezb-i-Wahdat, un movimiento de la oposición hazara —etnia mayoritaria en el centro del país— afirmó que "las estatuas quedaron completamente destruidas", aunque no hubo una confirmación de parte de los talibanes.

Por su parte, el ministro de Exteriores talibán, mullah Wakil Ahmed Muttawakil, dijo que la demolición "no está dirigida contra ninguna religión, nación o cultura", pero remarcó que "viola el islam" poseer estatuas de ídolos. De acuerdo con su propia versión del islam —elaborada en las escuelas coránicas de Kandahar, sur del país—, los talibanes creen que la conservación de estatuas es comparable a la adoración de ídolos, prohibida en la fe islámica.

Por ello la semana pasada el líder supremo de los talibanes, el "mulá" Mohamed Omar, decretó una "guerra" contra los monumentos preislámicos de Afganistán.

En varias ocasiones durante los últimos días, la milicia islámica afirmó que la destrucción de las estatuas iría hasta el final, en nombre del islam, y a pesar de las severas protestas y de la condena generalizada de la comunidad internacional.

Varios países, incluidos algunos musulmanes, condenaron la acción de los talibanes. Entre ellos se encuentra Pakistán, considerado el mayor aliado del régimen de Kabul, que únicamente es reconocido por este país, los Emiratos Arabes Unidos y Arabia Saudita.

Varios países y museos del mundo expresaron su interés en comprar las estatuas para salvarlas de la demolición, y la UNESCO envió la semana pasada a un emisario que intentó infructuosamente persuadir a los talibanes de que pusieran fin a la destrucción del bagaje cultural preislámico del país. El enviado de ese organismo, Pierre Lafrance, regresará en los próximos días a Kabul para continuar dialogando con los talibanes.

Por otra parte, hoy se reunirían en Pakistán el secretario general de la ONU, Kofi Annan, y el representante de los talibanes, Abdul Salam Zaeef, en un nuevo y desesperado intento de salvar el patrimonio histórico de Afganistán.

Además, ayer llegó a Islamabad una delegación de parlamentarios japoneses para pedir a los talibanes que renuncien a la destrucción del patrimonio afgano. Japón es el principal donante de ayuda humanitaria a Afganistán, una nación aquejada por graves problemas económicos.

Pese al interés de la comunidad internacional, el ministro Muttawakil dijo ayer que "no hay ninguna posibilidad" de que la orden de Omar sea anulada.

Entretanto, desde Moscú, la oposición afgana advirtió ayer que, tras la destrucción de los monumentos budistas y de arte preislámico, el régimen talibán llevará a cabo una "limpieza étnica" en Afganistán. Gulam Saji Hairat, primer secretario de la representación en la capital rusa de la opositora Alianza del Norte, explicó que la destrucción de las estatuas de Buda es una estrategia calculada.

Según Hairat, se trata de una oportunidad para que los talibanes "amplíen su expansión a los países vecinos, es decir, los centroasiáticos". "Tras la destrucción de los monumentos, tendrán lugar hechos más espantosos en Afganistán: la segregación y la limpieza étnica", subrayó.

"La tormenta en el Mar de Galilea" de Rembrandt, una de más de una docena de obras robadas en Boston en 1990, en una imagen sin fecha difundida por el Museo Isabella Stewart Gardner. (AP Foto/Museo Isabella Stewart Gardner) | Ver foto - Yahoo! Noticias

"La tormenta en el Mar de Galilea" de Rembrandt, una de más de una docena de obras robadas en Boston en 1990, en una imagen sin fecha difundida por el Museo Isabella Stewart Gardner. (AP Foto/Museo Isabella Stewart Gardner)
"La tormenta en el Mar de Galilea" de Rembrandt, una de más de una docena de obras robadas en Boston en 1990, en una imagen sin fecha difundida por el Museo Isabella Stewart Gardner. (AP Foto/Museo ... más&nbsp
"La tormenta en el Mar de Galilea" de Rembrandt, una de más de una docena de obras robadas en Boston en 1990, en una imagen sin fecha difundida por el Museo Isabella Stewart Gardner. (AP Foto/Museo Isabella Stewart Gardner) menos&nbsp
"La tormenta en el Mar de Galilea" de Rembrandt, una de más de una docena de obras robadas en Boston en 1990, en una imagen sin fecha difundida por el Museo Isabella Stewart Gardner. (AP Foto/Museo Isabella Stewart Gardner)
"La tormenta en el Mar de Galilea" de Rembrandt, una de más de una docena de obras robadas en Boston en 1990, en una imagen sin fecha difundida por el Museo Isabella Stewart Gardner. (AP Foto/Museo ... más&nbsp
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Pictures: Fire Destroys "Temple of Knowledge" in Egypt

Egypt picture: ancient busts in book burned in fire at the Egyptian Scientific Complex, or Institut d'Egypte, in Cairo

Photograph by Amr Abdallah Dalsh, Reuters

A worker on Monday displays a page from the Le Description de l'Égypte, or Description of Egypt, that was salvaged from the ruins of the Institut d'Égypte.

Description of Egypt was a series of illustrated texts created by hundreds of scholars, artists, and technicians who accompanied Napoleon to Egypt in 1798. It aimed to be a comprehensive catalog of artifacts—both ancient and modern—that the French discovered in Egypt.

"The whole gamut of Egyptian society at that time was studied and comprised in those volumes," UCLA's Wendrich said.

The entire 24-volume series has been digitized and can be viewed online, so the information it contained has not been lost. But UCLA's Wendrich worries that a rare first-edition copy of the monumental series-one of only five copies in Egypt-housed at the complex may have been burned beyond repair.

Wendrich said she can't tell whether the page pictured is from one of the first editions.

(Quiz: What do you know about Egypt?)

Published December 20, 2011

Egypt picture: ancient busts in book burned in fire at the Egyptian Scientific Complex, or Institut d'Egypte, in Cairo

Photograph by Amr Abdallah Dalsh, Reuters

A worker on Monday displays a page from the Le Description de l'Égypte, or Description of Egypt, that was salvaged from the ruins of the Institut d'Égypte.

Description of Egypt was a series of illustrated texts created by hundreds of scholars, artists, and technicians who accompanied Napoleon to Egypt in 1798. It aimed to be a comprehensive catalog of artifacts—both ancient and modern—that the French discovered in Egypt.

"The whole gamut of Egyptian society at that time was studied and comprised in those volumes," UCLA's Wendrich said.

The entire 24-volume series has been digitized and can be viewed online, so the information it contained has not been lost. But UCLA's Wendrich worries that a rare first-edition copy of the monumental series-one of only five copies in Egypt-housed at the complex may have been burned beyond repair.

Wendrich said she can't tell whether the page pictured is from one of the first editions.

(Quiz: What do you know about Egypt?)

Published December 20, 2011